Posts Tagged ‘animacion’

Satoshi Kon: complejidad psicológica animada entre realidades y sueños

7 mayo 2009

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Ya que empezamos esta semana con la discusión sobre los estilos de animación japonesa y norteamericana, me pareció interesante destacar un director y guionista que no muchos conocen (fuera del mundo de los fanáticos del anime), pero una vez que lo hacen no pueden vivir sin él. Se trata de Satoshi Kon, un director y guionista nacido en Hokkaido, Japón, quien de momento ha producido 4 largometrajes de animación (con un quinto en camino), una serie televisiva, entre varios guiones y diseños de animación. La película que popularizó a Kon en Occidente fue Paprika, producida en 2006; una historia de ciencia ficción sobre la creación de un instrumento tecnológico que tiene como finalidad leer los sueños de las personas para permitir a los terapeutas estudiar más de cerca los traumas y paranoia de los pacientes a través del subconsciente.

El estilo gráfico de este director se caracteriza por el realismo de sus personajes, especialmente comparándolos con el estilo tradicional de animación japonesa, elemento también visto en las expresiones de los personajes del director Hayao Miyazaki, que si bien sus personajes reflejan más un estilo de animación del Japón tradicional, las expresiones están trabajadas hasta el más mínimo detalle para crear un sentimiento lo más real posible en el espectador. Con respecto a la temática, Satoshi Kon se mueve a través de mundos paralelos, entre la realidad y los sueños, con una amalgama de temas asociados con la psiquis humana y a la pluriexistencia, sea esto efectuado consciente o inconscientemente. Es interesante ver cómo el funcionamiento de la mente humana (y sus posibles excepciones) es un tema tan atrayente para directores como Kon y muchos directores de anime, que personalmente creo que es el ingrediente que hace de estos films no sólo una herramienta de entretenimiento, sino más bien de filosofía y meditación, dando un valor agregado al mero hecho de apreciar una buena historia o estética.

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Más información en la web…

Para conocer más acerca de Satoshi Kon, así como más información sobre su filmografía, se encuentran disponibles los siguientes links:

IMDB
Wikipedia
Entrevista a Satoshi Kon sobre el film Paprika
Trailer de Paprika
Trailer de Perfect Blue
Trailer de Millenium Actress
Trailer de Paranoia Agent

Animación japonesa Vs. norteamericana: Provocación, imaginación, estereotipos y censuras

4 mayo 2009

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La animación no sólo es el procedimiento de diseñar movimientos de personajes o de objetos y elementos, sino que contiene en sí misma la representación visual de la fantasía que transforma la realidad de un niño y hace reflexionar al adulto; una ilusión óptica capaz de hacernos sentir compasión por un juguete inanimado, o por un pez, o hacernos creer en una realidad de mundos paralelos y alquimia.

Dos titanes de los dibujos animados son, claramente, Estados Unidos y Japón. No es mi intención entrar en la historia de la animación porque no es el objetivo de este artículo, sino más bien un análisis de estilo, narrativa y mensaje, claramente diferentes, de ambos territorios. Se podría resumir las diferencias de estos dos estilos en dos ejes principales: la temática y el estilo de animación, claramente propios de cada uno, asumiendo ya la evidente influencia cultural que denote cualquiera de ellos.

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La temática – ¿Los dibujos animados son sólo para niños?

Definitivamente el anime ha probado que esto es más que parte del pasado. La animación japonesa, a diferencia de la norteamericana, siempre ha ofrecido una variada temática. Además, el anime tiende a moverse más por un mundo adulto aun cuando es producido para niños. A mi consideración personal creo que esta es la diferencia más grande entre los dibujos animados norteamericanos y japoneses, ya que el enfoque de este país occidental siempre gira en torno a los valores tradicionales: ser valiente, apreciar a tus mascotas (o tus juguetes, o tus padres, o tu planeta), no sentirse mal si se es diferente a los demás, etc., la mayoría de las veces con un esquema muy obvio de introducción – nudo – desenlace, entregando en muchos casos toda la información ” servida en bandeja” y sin posibilidad de sacar conclusiones propias, por supuesto siempre hablando de un número mayoritario de piezas y teniendo obviamente en cuenta que existen muchas excepciones. El anime enfocado a niños es mucho más amplio en cuestiones filosóficas, generando preguntas y ensanchando el nivel de conciencia del niño a un nivel más elevado, ya sea en un contexto de acción (ej. Soul Eater), fantasía (ej. Full Metal Alchemist), ciencia y tecnología (ej. Neon Genesis Evangelion) o inocente comedia (ej Shin Chan).

Por otra parte, el lado fuerte de la industria de animación norteamericana es el sentido del humor que es propio y común de la mayor parte de los países occidentales; entonces, a mayor contexto común, mayor gracia. Debo reconocer que el humor japonés me hace reír pero a veces llega a ser un poco exagerado (y hasta un poco ridículo), especialmente cuando se encuentra este tipo de humor en series de contenido exclusivamente adulto (sí, señoras y señores, hasta en el hentai, je je). La argumentación de la animación occidental es para nosotros una realidad más cercana, una de las razones principales por la que especialmente triunfan las piezas de género cómico; nos sentimos “cómodos” y nos es fácil seguir la historia sin tener que hurgar en los oscuros rincones de nuestro escondido inconsciente. Dicho de una manera más simple, es un argumento que lo podemos disfrutar siempre y en cualquier situación. Un aspecto negativo (siempre en una opinión personal) de las animaciones occidentales más populares es la censura; siempre deben pasar por el filtro de la gran moral colectiva que, en vez de dar una oportunidad a la gente de poder dar una opinión sobre si algo es bueno o malo por sí misma, de alguna manera lo censuran todo. Es siempre más importante quedar bien con el ideal de todos que intentar lograr el interés en un tema o enfoque nuevo; pero debo reconocer que últimamente han salido al mercado trabajos de animación occidental que me han sorprendido bastante, como por ejemplo Afro Samurai (bueno seguro que no cuenta tanto este ejemplo pero es el que me dejó más impresionada, ¡vamos! :D)

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Estilo de animación – Ojos grandes y explosiones

Estados Unidos fue el primero en consolidar una industria de animación enfocada a temas fuera de la política, ya que hasta la Primera Guerra Mundial los dibujos animados eran utilizados mayormente para (anti)propaganda política. Grandes compañías como la Walt Disney, Warner Bros. y Hannah Barbera empezaron a dar sus primeros pasos luego de la culminación de la guerra, con temáticas más enfocadas al entretenimiento. El anime se popularizó en la segunda década del siglo XX, altamente influenciado por los los estilos de dibujos animados occidentales de la época (más por contenido que por estilo gráfico), utilizado como reemplazo de las películas de acción… ¿por qué? Porque en aquel entonces el presupuesto que el país destinaba al cine era tan escaso que resultaba más rentable contratar a un puñado de artistas para representar tal ficción. Gracioso, ¿no? 🙂

Concretamente en el estilo de animación, existe una clara diferencia estética entre ambos estilos; los dibujos animados occidentales poseen gestos y movimientos más complicados, mientras que el anime se centra más en largas escenas de diálogos donde sólo se puede ver mover la boca y los ojos. Esto se debe a los recursos limitados de los tiempos pasados, ya que era mucho más barato animar sólo aquellas partes del cuerpo y estirar el tiempo de las escenas con un profundo diálogo. Es notable como la situación financiera hace que las cosas evolucionen por un lado o por el otro, ya que…claro… al no tener recursos para impresionar gráficamente, los guionistas se esmeraban más en el mensaje que en la estética, que es el caso completamente opuesto a los Estados Unidos.

En Norteamérica la animación se enfocó más en otorgar un estilo realista a la estética de las piezas, especialmente en el diseño de los personajes. Un ejemplo claro de esto podría ser los trabajos de la compañía de animación Pixar, la cual ha logrado un nivel de realismo tal que fácilmente podemos creer que de verdad existe todo lo que vemos en sus películas. Con este ejemplo también se puede nombrar la diferencia estética de los dibujos animados de Estados Unidos y Japón en cuestión del uso del 3D y texturas en los personajes; el anime siempre tira hacia personajes obviamente ficticios y la animación norteamericana al “personaje ficticio real”, haciéndolo lo más cercano a la realidad posible.

Para concluir, debo decir que toda pieza de animación, ya sea del oriente u occidente, apariencia real o ficticia, historia filosófica o simple acción, ha tenido su trasfondo histórico que ha moldeado su evolución. Ambos estilos tienen elementos dignos de ser admirados y es también un excelente punto de observación cultural que no podemos descartar. También está más que claro que en el futuro estas industrias seguirán transformándose y, en una opinión personal, serán cada vez más similares, aprendiendo una de la otra y muchas veces complementándose. El arte y el talento son universales y el cerebro humano funciona igual, no importa de dónde provenga 🙂

Animata: Editor de animaciones a tiempo real

8 abril 2009

Animata es un software de animación para performances en vivo que permite crear escenarios con marionetas virtuales de manera sencilla y, por sobre todo, muy económica, ya que se trata de una herramienta gratuita. También puede ser utilizada para proyecciones de fondo de conciertos, teatro y danza.

La peculiaridad de este software es que la animación – el movimiento de las marionetas, los cambios de fondo – está generado completamente a tiempo real, haciendo posible una interacción continua. Esta capacidad también permite que los sensores físicos, cámaras y otras variables ambientales puedan ser adjuntadas a la animación de personajes, creando una caricatura que reacciona a su entorno. Por ejemplo, es bastante sencillo crear una banda títeres virtuales que reaccione a entradas de audio en vivo, o preparar una escena de personajes dibujados controlado por el movimiento de los bailarines.

En contraste con los programas de 3D tradicionales, la creación de personajes en Animata es verdaderamente rápida. Partiendo de la base de imágenes estáticas, que sirven de esqueleto a los personajes, este software produce una red de triángulos, con algunas partes conectadas con la estructura del esqueleto. El movimiento de los huesos está basado en un modelo físico, que permite que el personaje sea muy fácil de mover.

Animata está disponible tanto para Mac como para PC, tiene un sinfin de tutoriales y puede ser descargado en su página web oficial. Recuerden que no cuesta nada probarlo, porque como dice el dicho “Lo que viene de arriba no golpea” 🙂

Fuente: Animata: Real time animation editor

CCW: Sobresaliente club brasilero de creación colaborativa de arte

5 abril 2009

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El Clube de Criação Web (CCW) es un espacio para discutir ideas, conocer otros profesionales, exponer trabajos y buscar referencias. Puntualmente es un club de creación colaborativa donde cada asociado, a partir de su perfil, envía sus proyectos y experimentos. Quien decide el destino de cada trabajo, si se merece ser destacado o no, son los propios usuarios.

El CCW provilegia interactividad y nuevos medios, pero, dada la proximidad con la creación en general y el hecho de que muchas personas poseen diversos talentos, a partir de 2009 el espacio está abierto para que los asociados también puedan enviar sus proyectos de ilustración, fotografía, diseño en general, medios impresos y trabajos experimentales en general. Así, cada usuario puede crear un portafolio completo dentro del sitio, así como complementarlo con publicación de textos, artículos, opiniones, etc., que se pueden convertir en un destaque en alguna sección dentro del Club.

Este sitio no sólo es interesante por el hecho de crear un espacio propio, sino que también es una estupenda fuente de inspiración, debido a la alta calidad de los trabajos presentados. Muy bueno también ya que se encuentran asociadas personas de todas partes del mundo, pudiendo conocer así diferentes estilos influenciados por los eventos y situaciones propias de cada región.

A continuación expongo algunos ejemplos de trabajos de asociados de este colectivo para que lo puedan juzgar ustedes mismos.

WWF: Coins

Proyecto de la agencia DDB Brasil con el objetivo de recaudar fondos para la WWF.  Se creó una serie de posters magnéticos en cines, gimnasios y areas de recepción de compañías comerciales. El poster tenía una leyenda que decía Colabora con la WWF y mira a quién estás ayudando. A medida que la gente iba pegando monedas (estaba indicado qué tipo de moneda poner en cada sitio) se revelaba una figura.

Beate Uhse TV: Control de contenido adulto para canales de TV

No todo lo que parece algo lo es. Este es el lema de la campaña de Beate Uhse TV, que básicamente se trata de una promoción del bloqueo de contenido adulto para menores. Me gustó mucho que no han vulgarizado el tema y lo han hecho realmente sutil, gracioso y elegante.

Barclaycard Waterslide

La agencia BBH de Londres propone esta propuesta de anuncio de TV en el cual resaltan la cualidad de una tarjeta de crédito que no necesita ser deslizada por la máquina para ser leída, lo cual hace todo más fácil y rápido. Con anuncios así a quién le importaría pasarse 15 minutos en comerciales 😉

Más información sobre el CCW en su sitio web oficial (en portugués)

Cortos que cortan

29 marzo 2009

Cortos que cortan las venas, te dejan por el suelo lamentando haber sido alguna vez superficial en esta vida; que cuando estás deprimido alimentan tu miseria pero a la vez, aprovechan ese estado de vulnerabilidad para entregar un mensaje tan profundo que lentamente nos saca de la tristeza y nos hace reflexionar sobre lo que tenemos, lo que somos y cómo debemos apreciarlo porque no sabemos hasta cuándo estarán allí.

Cada uno de estos cortometrajes tiene un mensaje distinto, tratados con una técnica impecable (por supuesto 2D como lo son todos mis preferidos, je je) pero todos coinciden en demostrar cómo a veces las imágenes nos pueden tocar el alma, muchas veces sin decir una palabra.

La Maison en Petit Cubes, escrito y dirigido por Kunio Katô (Japón)

En una ciudad inundada de agua, un anciano es obligado a construir niveles adicionales a su casa de ladrillos (cubos) a fin de mantenerse seco. Un día, accidentalmente deja caer su pipa favorita en uno de los niveles inferiores de su casa, lo que le obliga a buscarla y revivir escenas de los acontecimientos de su vida. La Maison en Petit Cubes ha ganado el premio Oscar como mejor corto de animación del 2009.

Historia Trágica con Final Feliz, escrito y dirigido por Regina Pessoa (Portugal, Canadá y Francia)

Algunas personas son diferentes. Todo lo que desean es ser como todo el mundo, mezclándose deliciosamente  entre la multitud; hombres y mujeres que pasan todas sus vidas intentando lograr este objetivo, negando o escondiendo sus diferencias, mientras que también existen personas que asumiendo su desemejanza con la multitud, intentan brillar con su propia luz.

Historia Trágica con Final Feliz es la historia de una niña en esta situación, nacida con un corazón de pájaro que hacía que latiera más fuerte que el corazón humano, lo cual molestaba a los vecinos por el excesivo ruido que éste producía. Es una historia sobre cómo aceptar lo que nos hace diferentes porque algún día nos hará completar nuestra felicidad, cualquiera sea la manera en que ésta llegue.

Father and Daughter, escrito y dirigido por Michael Dudok de Wit (Reino Unido y Países Bajos)

Un padre dice adiós a su pequeña niña y se marcha. A través del cambio de estaciones  – en espléndidos paisajes holandeses – la niña también va creciendo, forma una familia, hasta que llega a la vejez, nunca perdiendo la añoranza por tu padre, buscándolo en cada etapa de su vida.

Father and Daughter, al igual que La Maison de Petit Cubes, tiene un fuerte simbolismo en cada elemento expuesto, con tal extrema riqueza de mensaje que nos hace admirar el extraordinario talento del ser humano de trasmitir, a través del arte, mensajes tan conmovedores sin siquiera decir una palabra.