Posts Tagged ‘cine’

Satoshi Kon: complejidad psicológica animada entre realidades y sueños

7 mayo 2009

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Ya que empezamos esta semana con la discusión sobre los estilos de animación japonesa y norteamericana, me pareció interesante destacar un director y guionista que no muchos conocen (fuera del mundo de los fanáticos del anime), pero una vez que lo hacen no pueden vivir sin él. Se trata de Satoshi Kon, un director y guionista nacido en Hokkaido, Japón, quien de momento ha producido 4 largometrajes de animación (con un quinto en camino), una serie televisiva, entre varios guiones y diseños de animación. La película que popularizó a Kon en Occidente fue Paprika, producida en 2006; una historia de ciencia ficción sobre la creación de un instrumento tecnológico que tiene como finalidad leer los sueños de las personas para permitir a los terapeutas estudiar más de cerca los traumas y paranoia de los pacientes a través del subconsciente.

El estilo gráfico de este director se caracteriza por el realismo de sus personajes, especialmente comparándolos con el estilo tradicional de animación japonesa, elemento también visto en las expresiones de los personajes del director Hayao Miyazaki, que si bien sus personajes reflejan más un estilo de animación del Japón tradicional, las expresiones están trabajadas hasta el más mínimo detalle para crear un sentimiento lo más real posible en el espectador. Con respecto a la temática, Satoshi Kon se mueve a través de mundos paralelos, entre la realidad y los sueños, con una amalgama de temas asociados con la psiquis humana y a la pluriexistencia, sea esto efectuado consciente o inconscientemente. Es interesante ver cómo el funcionamiento de la mente humana (y sus posibles excepciones) es un tema tan atrayente para directores como Kon y muchos directores de anime, que personalmente creo que es el ingrediente que hace de estos films no sólo una herramienta de entretenimiento, sino más bien de filosofía y meditación, dando un valor agregado al mero hecho de apreciar una buena historia o estética.

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Más información en la web…

Para conocer más acerca de Satoshi Kon, así como más información sobre su filmografía, se encuentran disponibles los siguientes links:

IMDB
Wikipedia
Entrevista a Satoshi Kon sobre el film Paprika
Trailer de Paprika
Trailer de Perfect Blue
Trailer de Millenium Actress
Trailer de Paranoia Agent

Animación japonesa Vs. norteamericana: Provocación, imaginación, estereotipos y censuras

4 mayo 2009

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La animación no sólo es el procedimiento de diseñar movimientos de personajes o de objetos y elementos, sino que contiene en sí misma la representación visual de la fantasía que transforma la realidad de un niño y hace reflexionar al adulto; una ilusión óptica capaz de hacernos sentir compasión por un juguete inanimado, o por un pez, o hacernos creer en una realidad de mundos paralelos y alquimia.

Dos titanes de los dibujos animados son, claramente, Estados Unidos y Japón. No es mi intención entrar en la historia de la animación porque no es el objetivo de este artículo, sino más bien un análisis de estilo, narrativa y mensaje, claramente diferentes, de ambos territorios. Se podría resumir las diferencias de estos dos estilos en dos ejes principales: la temática y el estilo de animación, claramente propios de cada uno, asumiendo ya la evidente influencia cultural que denote cualquiera de ellos.

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La temática – ¿Los dibujos animados son sólo para niños?

Definitivamente el anime ha probado que esto es más que parte del pasado. La animación japonesa, a diferencia de la norteamericana, siempre ha ofrecido una variada temática. Además, el anime tiende a moverse más por un mundo adulto aun cuando es producido para niños. A mi consideración personal creo que esta es la diferencia más grande entre los dibujos animados norteamericanos y japoneses, ya que el enfoque de este país occidental siempre gira en torno a los valores tradicionales: ser valiente, apreciar a tus mascotas (o tus juguetes, o tus padres, o tu planeta), no sentirse mal si se es diferente a los demás, etc., la mayoría de las veces con un esquema muy obvio de introducción – nudo – desenlace, entregando en muchos casos toda la información ” servida en bandeja” y sin posibilidad de sacar conclusiones propias, por supuesto siempre hablando de un número mayoritario de piezas y teniendo obviamente en cuenta que existen muchas excepciones. El anime enfocado a niños es mucho más amplio en cuestiones filosóficas, generando preguntas y ensanchando el nivel de conciencia del niño a un nivel más elevado, ya sea en un contexto de acción (ej. Soul Eater), fantasía (ej. Full Metal Alchemist), ciencia y tecnología (ej. Neon Genesis Evangelion) o inocente comedia (ej Shin Chan).

Por otra parte, el lado fuerte de la industria de animación norteamericana es el sentido del humor que es propio y común de la mayor parte de los países occidentales; entonces, a mayor contexto común, mayor gracia. Debo reconocer que el humor japonés me hace reír pero a veces llega a ser un poco exagerado (y hasta un poco ridículo), especialmente cuando se encuentra este tipo de humor en series de contenido exclusivamente adulto (sí, señoras y señores, hasta en el hentai, je je). La argumentación de la animación occidental es para nosotros una realidad más cercana, una de las razones principales por la que especialmente triunfan las piezas de género cómico; nos sentimos “cómodos” y nos es fácil seguir la historia sin tener que hurgar en los oscuros rincones de nuestro escondido inconsciente. Dicho de una manera más simple, es un argumento que lo podemos disfrutar siempre y en cualquier situación. Un aspecto negativo (siempre en una opinión personal) de las animaciones occidentales más populares es la censura; siempre deben pasar por el filtro de la gran moral colectiva que, en vez de dar una oportunidad a la gente de poder dar una opinión sobre si algo es bueno o malo por sí misma, de alguna manera lo censuran todo. Es siempre más importante quedar bien con el ideal de todos que intentar lograr el interés en un tema o enfoque nuevo; pero debo reconocer que últimamente han salido al mercado trabajos de animación occidental que me han sorprendido bastante, como por ejemplo Afro Samurai (bueno seguro que no cuenta tanto este ejemplo pero es el que me dejó más impresionada, ¡vamos! :D)

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Estilo de animación – Ojos grandes y explosiones

Estados Unidos fue el primero en consolidar una industria de animación enfocada a temas fuera de la política, ya que hasta la Primera Guerra Mundial los dibujos animados eran utilizados mayormente para (anti)propaganda política. Grandes compañías como la Walt Disney, Warner Bros. y Hannah Barbera empezaron a dar sus primeros pasos luego de la culminación de la guerra, con temáticas más enfocadas al entretenimiento. El anime se popularizó en la segunda década del siglo XX, altamente influenciado por los los estilos de dibujos animados occidentales de la época (más por contenido que por estilo gráfico), utilizado como reemplazo de las películas de acción… ¿por qué? Porque en aquel entonces el presupuesto que el país destinaba al cine era tan escaso que resultaba más rentable contratar a un puñado de artistas para representar tal ficción. Gracioso, ¿no? 🙂

Concretamente en el estilo de animación, existe una clara diferencia estética entre ambos estilos; los dibujos animados occidentales poseen gestos y movimientos más complicados, mientras que el anime se centra más en largas escenas de diálogos donde sólo se puede ver mover la boca y los ojos. Esto se debe a los recursos limitados de los tiempos pasados, ya que era mucho más barato animar sólo aquellas partes del cuerpo y estirar el tiempo de las escenas con un profundo diálogo. Es notable como la situación financiera hace que las cosas evolucionen por un lado o por el otro, ya que…claro… al no tener recursos para impresionar gráficamente, los guionistas se esmeraban más en el mensaje que en la estética, que es el caso completamente opuesto a los Estados Unidos.

En Norteamérica la animación se enfocó más en otorgar un estilo realista a la estética de las piezas, especialmente en el diseño de los personajes. Un ejemplo claro de esto podría ser los trabajos de la compañía de animación Pixar, la cual ha logrado un nivel de realismo tal que fácilmente podemos creer que de verdad existe todo lo que vemos en sus películas. Con este ejemplo también se puede nombrar la diferencia estética de los dibujos animados de Estados Unidos y Japón en cuestión del uso del 3D y texturas en los personajes; el anime siempre tira hacia personajes obviamente ficticios y la animación norteamericana al “personaje ficticio real”, haciéndolo lo más cercano a la realidad posible.

Para concluir, debo decir que toda pieza de animación, ya sea del oriente u occidente, apariencia real o ficticia, historia filosófica o simple acción, ha tenido su trasfondo histórico que ha moldeado su evolución. Ambos estilos tienen elementos dignos de ser admirados y es también un excelente punto de observación cultural que no podemos descartar. También está más que claro que en el futuro estas industrias seguirán transformándose y, en una opinión personal, serán cada vez más similares, aprendiendo una de la otra y muchas veces complementándose. El arte y el talento son universales y el cerebro humano funciona igual, no importa de dónde provenga 🙂

PinkPunkPop’s movie and series picks de abril

21 abril 2009

Como este mes estuvo lloviendo mucho, sumando la situación económica actual que no nos permite salir a disfrutar del ocio, la selección de películas y series del mes se viene cargadita. Desde animación a series de HBO, clásicos y nuevos, un surtido paquete de diversos contenidos condimentaron este mes la pantalla de mi TV y espero que también pueda hacer lo mismo con la vuestra.

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Afro Samurai – dirigida por Fuminori Kizaki y Jamie Simone; producida por Samuel Jackson, Japón y EEUU, 2007 –

Afro Samurai es una serie de los estudios GONZO que consiste en 5 capítulos sobre un samurai con peinado afro (buenísimo, dicho sea de paso) que busca venganza por una sucesión de acontecimientos que involucran a personas cercanas a él. Afro (nombre coloquial del samurai) tiene un amigo llamado Ninja Ninja que representa, en su forma de moverse, hablar y actuar, al ritmo del Bronx, en Nueva York. Toda la serie se centra en que un hombre es más que una leyenda y, por supuesto, en cómo un deseo de venganza puede transformar a un ser humano. No hace falta decir que cada episodio está lleno de acción, humor, violencia y por sobre todo mucha, mucha sangre. El productor de Afro Samurai es Samuel Jackson (¿increíble, no?) y se ha gastado alrededor de 1 millón de dólares por cada episodio de la serie.

Al principio debo reconocer que no estaba tan esperanzada con esta serie, ya que la combinación del estilo anime con cultura afroamericana me parecía algo así como una “milanesa de chancho” como decimos en Paraguay (léase en español correcto: una mezcla de diosa y pantera), pero luego de haberla visto puedo decir que estoy bastante contenta con el resultado y especialmente por haber visto un enfoque distinto a este estilo de animación. Es cierto que (para el que vea en la versión original) el acento de los personajes molesta un poco porque hacen que el bello estilo que lleva la animación quede vulgarizada por una voz de gangster de MTV, pero como había mencionado antes, es interesante el “mix and match” de temas y estilos poco usuales de verlos juntos.

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True Blood – creada por Alan Ball, producida por HBO y basada en la novela Southern Vampire de Charlaine Harris – EEUU, 2008 –

When you came in the air went out; estas palabras reverberaron en mi cabeza por casi un mes de la buena impresión que me causó la introducción de esta serie. Recomendada por dos grandes amigas, Maria Fe y Adri diciéndome (Adri) “A una gótica como vos iba a ser imposible que no le guste esta serie” y (Maria Fe) “Haceme caso y mirá esta serie que, confiá en mí, te va a gustar”. Dicho y hecho señores, ambas la dieron en el clavo.

Como toda serie de HBO (Six Feet Under, The Sopranos, Carnival, por citar algunas) True Blood tiene una calidad de producción de primera línea, con imágenes hipnotizantes (como les dije, me quedé impresionada con la intro), buena actuación, temática interesante… quién se iba a imaginar que a esta altura de la vida venga alguien a sorprendernos con una historia de vampiros, cuando ya pensamos que los vampiros estaban fritos y refritos. Todo está deliciosamente calculado; lo que personalmente me encanta de la serie (y voy a pecar por friki) es el uso del color como elemento simbólico en distintas situaciones; cada color significa algo y da ese condimento secreto que es tan sutil que es algo que lo podemos sentir más de lo que podemos explicarlo.

¿De qué va la serie? Los vampiros finalmente pueden “salir del ataúd” gracias a la creación de sangre sintética japonesa que hace que no tengan que sacrificar a nadie para poder sobrevivir y plantearse la integración en la sociedad. En un pueblo de Luisiana una camarera llamada Sookie Stackhouse, con poderes telepáticos, conoce a Bill Compton, un vampiro que crea en ella una gran fascinación, ya que era la única persona a la que Sookie no podía leer los pensamientos. Es difícil decir más sin revelar detalles de la serie, así que mejor verla teniendo la espinita del misterio 🙂

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Goodbye, Lenin! – Escrita por Bernd Lichtenberg y Wolfgang Becker; dirigida por Wolfgang Becker – Alemania, 2003

Está clarísimo que esta peli es un clásico. Creo que fui la única persona que la vió recién hace un par de semanas, pero bueno, ¡más vale tarde que nunca! Goodbye, Lenin! es una de esas películas que te dejan con ganas de ir a dar un beso a tu madre y olvidarte de todo lo que te pudo haber regañado (¡por supuesto entre otras miles de cosas que pueda generarte esta película, vamos! je je).

Este largometraje pone en exposición el siguiente planteamiento: ¿qué sucedería si despertamos un día y todo el contexto social en el que vivíamos y admirábamos ha desaparecido? Este es el caso de la madre de Alexander Kerner, una mujer orgullosa y promotora de sus ideas socialistas en una Alemania Oriental de los años 80, que al ver a su hijo participando en una protesta en contra de Erich Honecker, al que tanto admiraba, pierde el conocimiento entrando en un coma por 8 meses; periodo en el cual cae el Muro de Berlín y el capitalismo entra triunfante a adueñarse de la región. Por razones de salud el médico advierte al hijo de la mujer que bajo ninguna circunstancia su madre podía pasar por un fuerte impacto emocional, ya que tenía el alto riesgo de sufrir otro ataque y morir. Esta situación hace que el hijo decida crear un mundo de fantasía, recreando la Alemania pre-caída hasta el más mínimo detalle. Nuevamente no me atrevo a decir más para cualquiera que aún no haya visto la peli.

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Within Temptation and the Metropole Orchestra – Black Symphony DVD

Yo sé que el estilo metal gótico no es el favorito de muchos (e insisto que es porque nadie le dio una verdadera oportunidad pero no me meto con gustos ajenos, je je…). Pero independientemente al estilo musical, Within Temptation, conjuntamente con la Metropole Orchestra de Holanda, han materializado un sueño orquestal ante 10 000 personas en el mes de febrero de 2008 en Ahoy Rotterdam – teniendo como participante al coro Pa’dam –  con motivo de promocionar su nuevo disco Black Symphony. Este magestuoso concierto fue grabado en un DVD de 2 horas de concierto y varios extras que demuestran cuán interesante es combinar estilos clásicos con contemporáneos, nó solo en el sentido sonoro sino también de valor de espectáculo. La puesta en escena de este concierto no tiene palabras para ser descrito: pantallas gigantes con proyecciones mágicas, fuego, viento, nieve… además de ver en un mismo espectáculo a una orquesta completa, 30 voces de coro y, por supuesto, el poder de la guitarra, bajo y batería de una buena banda de metal que, 100 por ciento seguro, dejará a todo espectador con la piel de gallina, o para ser más finos, cutis de ave, je je… más malo el chiste…

CCW: Sobresaliente club brasilero de creación colaborativa de arte

5 abril 2009

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El Clube de Criação Web (CCW) es un espacio para discutir ideas, conocer otros profesionales, exponer trabajos y buscar referencias. Puntualmente es un club de creación colaborativa donde cada asociado, a partir de su perfil, envía sus proyectos y experimentos. Quien decide el destino de cada trabajo, si se merece ser destacado o no, son los propios usuarios.

El CCW provilegia interactividad y nuevos medios, pero, dada la proximidad con la creación en general y el hecho de que muchas personas poseen diversos talentos, a partir de 2009 el espacio está abierto para que los asociados también puedan enviar sus proyectos de ilustración, fotografía, diseño en general, medios impresos y trabajos experimentales en general. Así, cada usuario puede crear un portafolio completo dentro del sitio, así como complementarlo con publicación de textos, artículos, opiniones, etc., que se pueden convertir en un destaque en alguna sección dentro del Club.

Este sitio no sólo es interesante por el hecho de crear un espacio propio, sino que también es una estupenda fuente de inspiración, debido a la alta calidad de los trabajos presentados. Muy bueno también ya que se encuentran asociadas personas de todas partes del mundo, pudiendo conocer así diferentes estilos influenciados por los eventos y situaciones propias de cada región.

A continuación expongo algunos ejemplos de trabajos de asociados de este colectivo para que lo puedan juzgar ustedes mismos.

WWF: Coins

Proyecto de la agencia DDB Brasil con el objetivo de recaudar fondos para la WWF.  Se creó una serie de posters magnéticos en cines, gimnasios y areas de recepción de compañías comerciales. El poster tenía una leyenda que decía Colabora con la WWF y mira a quién estás ayudando. A medida que la gente iba pegando monedas (estaba indicado qué tipo de moneda poner en cada sitio) se revelaba una figura.

Beate Uhse TV: Control de contenido adulto para canales de TV

No todo lo que parece algo lo es. Este es el lema de la campaña de Beate Uhse TV, que básicamente se trata de una promoción del bloqueo de contenido adulto para menores. Me gustó mucho que no han vulgarizado el tema y lo han hecho realmente sutil, gracioso y elegante.

Barclaycard Waterslide

La agencia BBH de Londres propone esta propuesta de anuncio de TV en el cual resaltan la cualidad de una tarjeta de crédito que no necesita ser deslizada por la máquina para ser leída, lo cual hace todo más fácil y rápido. Con anuncios así a quién le importaría pasarse 15 minutos en comerciales 😉

Más información sobre el CCW en su sitio web oficial (en portugués)

La inmigración mirada con un ojo crítico y real… ¡en Hollywood!

11 marzo 2009

Bueno, al menos para Hollywood la inmigración es algo bien aceptado últimamente. Varios países y directores han utilizado este tema para sacar a la luz diferentes situaciones por las que tienen que pasar las personas cuando se enfrentan al objetivo de empezar una nueva vida en un país ajeno al suyo, muchas veces de cultura totalmente opuesta. Esto me hizo ver, al menos a mí, que vea o no la gente a los inmigrantes como algo positivo, es un hecho que no se puede evitar, y tampoco ignorar. Por eso estas tres películas que citaré a continuación me pareció un buen material para poder entender a la gente en esta situación (incluyéndome a mí) o al menos ser consciente el esfuerzo y los riesgos que estas personas deben atravesar para lograr un futuro mejor lejos de casa.

frozenriver1Frozen RiverEscrito y dirigido por Courtney Hunt (2004 el cortometraje y 2008 el film)

La historia toma lugar en un, desconocido para muchos, cruce de frontera en una aldea Mohawk entre Nueva York, Estados Unidos y Quebec, Canadá. La desesperación de una madre soltera de clase obrera por mantener a flote su hogar la lleva a colaborar con una mujer Mohawk, también en una situación económica decadente, a pasar de contrabando inmigrantes desde Quebec a Nueva York.

A través de la historia de ambas mujeres se puede ver cuán absurda se vuelve la “persecución” a los inmigrantes, aún más teniendo en cuenta problemas más serios como la falta de ayuda a madres solteras, derechos a ayuda social y de una vida digna de personas que actualmente viven en la ruina y sin planes de poder ser rescatadas.

Debo reconocer que la película transcurre un poco lenta, y hasta diré que dolorosa (porque hay detalles bastante desgarradores), pero sabiendo esto y mirando con un ojo crítico creo que es un gran espejo a una sociedad cuyos valores están totalmente dados vuelta, perdiéndose en las ramas e ignorando a los grandes monstruos reales que atormentan a más personas de lo que podemos imaginar.

Más información sobre Frozen River aquí (en Inglés)

thevisitorThe VisitorEscrito y dirigido por Thomas McCarthy (2007)

Esta película tiene como personaje principal a un solitario hombre en finales de su mediana edad quien atraviesa un radical cambio de vida cuando es forzado a enfrentar cuestiones relacionadas a identidad, inmigración y comunicación inter cultural en una sociedad post 11 de Setiembre.

Otra película con un enfoque interesante al tema de la inmigración en los Estados Unidos, donde se pueden observar puntualmente hechos como el automatizado sistema americano de policías llenos de perjuicios ante todo aquel que se “vea” inmigrante, así como las variadas razones por las que muchos ciudadanos deciden establecerse ilegalmente en un país. Película muy interesante especialmente por el diálogo del personaje principal, bastante directo y sumamente tenaz, dirigido al gobierno americano y su apatía con respecto a temas como los ciudadanos extranjeros.

Más información sobre The Visitor aquí (en inglés)

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Gran TorinoDirigido por Clint Eastwood y escrito por Nick Schenk y Dave Johannson (2008)

Walt Kowalski es un veterano americano de la guerra de Corea; viudo, resentido y un hombre lleno de prejuicios con una única pasión, un Gran Torino 1972 (para neófitos como yo, el Gran Torin es un super coche, je je…) que lo conserva en un estado impecable.

Un día Walt conoce a su vecino Thao, un joven Hmong presionado por su primo pandillero a ser iniciado al mundo criminal de los “gangs”, mientras éste intentaba robarle el coche como prueba forzada de su iniciación. Lentamente el joven y el veterano crean una amistad que lleva a Walt a conocer más sobre la cultura de Thao hasta el punto de crear un lazo de cariño más fuerte que el que poseía con sus propios hijos, quienes tampoco hacían mucho intento de fraternizar con su padre y estaban sólamente interesados en lo que éste podría dejarles una vez muerto.

Gran Torino es una película al más puro estilo Eastwood; muy correcta (me gusta mucho que las cosas terribles que pasan no te las muestran tan obvias) y aparte del evidente tema de problemas entre immigrantes y la sociedad, también posee una carga emocional muy fuerte en cuestión de cómo se siente la mayoría de la gente de la tercera edad, cómo conviven con su soledad, la falta de atención y la incomprensión y afecto temporal por conveniencia por parte de hijos y conocidos y cómo muchas veces los que realmente los aprecian de corazón son completos extraños.

Más información sobre Gran Torino aquí (en inglés)