Posts Tagged ‘pintura’

La Revolución Industrial, la tecnología y el arte: Habilidades en serie (Parte 1)

17 junio 2009
industrial
Revolution at a lower price
, por ~Con-Safo

Nacen importantes inventos, y con ellos importantes cambios que marcan profundamente la historia de la humanidad. Así fue el inicio de la Revolución Industrial, entendiéndose como un período de mayores y significativos cambios tecnológicos, socioeconómicos y sociales de manera colectiva. Con los avances obtenidos de la creación de la hiladora multibovina, que optimizaba sobremanera la producción textil, sumado al gran salto del comercio con invención de la máquina de vapor, la cual fomentó la mejora de las vías de transporte, se da inicio a la tecnología de la producción y distribución en masa, reemplazando casi por completo al trabajo manual.

Ahora bien, ¿cómo se comporta el arte ante tal drástico cambio? ¿Cómo afecta la demanda de tecnología y producción masiva a la creación artesanal de piezas únicas? ¿Cuál es la percepción colectiva hacia lo producido individualmente en comparación a fabricación en serie? Estas son algunas de las tantas preguntas que surgen ante tal transformación radical, que serán desarrolladas en tres partes. Este artículo (Parte 1) se centrará en la reticencia inicial que provocó la llegada de las innovaciones tecnológicas masivas en los grupos artísticos del mismo período. La segunda parte abarcará la adaptación del arte con los nuevos materiales y el deseo de convertir lo cotidiano en algo más que simple funcionalidad; por último la tercera exhibirá la tendencia actual de volver a los métodos tradicionales del arte y producción, resaltando el creciente interés por el Do it Yourself (házlo tu mismo), intentando regresar a la originalidad y a la exclusividad, contraria a la producción masiva.

Personalmente, el caso artístico más curioso en esta etapa revolucionaria es el del movimiento impresionista en la pintura y su convivencia con la, aquel entonces, nueva técnica de la fotografía (desde 1839 con las primeras imágenes creadas por Daguerre hasta principios del Siglo XX). Los impresionistas siempre fueron muy peculiares en la manera de dictar sus leyes, en el sentido que existían más personas viviendo en las excepciones que en las mismas reglas, al menos en lo que respecta a la composición del color. Por ejemplo, como se había mencionado antes en el artículo  Curiosidades del color Negro, los pintores impresionistas no consideraban el negro como parte de su paleta cromática, ya que se debía representar los tonos oscuros a través de la combinación de colores y no con una sola tonalidad; pero curiosamente el negro era el color de composición preferido de célebres miembros de esta corriente, como Auguste Renoir (para quien el negro era “el rey de todos los colores” y Vincent Van Gogh, quien decía que el que intente suprimir el negro “no tiene nada que hacer”.

Una de las razones del rechazo del negro era, justamente, el ofrecer algo que la fotografía todavía no podía lograr: la impresión del color; el crear una pieza artística donde los efectos ópticos de los colores lo eran todo. Además, para ofrecer algo distinto al realismo fotográfico, los impresionistas empezaron a plantearse por primera vez el desinterés de una narración pictórica “de modelo” para investigar el campo de la percepción del color y sus efectos, la transmisión de sensaciones y sentimientos, etc. Pero, a pesar de esta “guerra enmascarada” hacia la tecnología fotográfica muchos de estos artistas utilizaban estas nuevas técnicas para lograr un mejor resultado en sus creaciones. Un ejemplo de este hecho es el artista Edgar Degas, quien aprovechaba la técnica fotográfica, superponiendo placas para luego componer con ellas los bocetos para sus pinturas.

Como conclusión derivada de este caso en particular (así como existen muchos otros), se puede decir que el avance tecnológico y su uso masivo es algo que tarde o temprano se debe aceptar como un hecho. Cuanto más se lucha contra las nuevas técnicas, más se ignora la evidente influencia que ésta ejerce sobre las personas, ya que al existir un desarrollo de nuevas tecnologías de significativa innovación, éste empuja inevitablemente hacia una adecuación, al principio complicada, pero que tarde o temprano colabora a mejorar el nivel y la calidad de vida de una sociedad. El secreto está en poder adaptarnos a estas innovaciones y seguir su evolución, descubriendo de esta manera un mundo de nuevas posibilidades que ayudarán luego a abrir las puertas a un sinfín de nuevas aptitudes.

Diciéndolo vulgarmente: “Si no puedes contra ellos, únetelos” 🙂

Referencias:
Definición de Revolución Industrial – Wikipedia
Martínez Ron, Antonio; Baile de Sombras. 6 de Noviembre 2006.
Gonzalez García, Profesor Dr. D. Antonio; Degas y la Fotografía (extracto); La visión fotográfica en la Pintura. Impresionismo y Fotografía. Universidad de Sevilla
Heller, Eva; Psicología del Color. Cómo actúan los colores sobre los sentimientos y la razón. Gustavo Gili SA Barcelona.
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Adolf Hitler como artista: una historia de sueños e incomprensiones

2 junio 2009

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Todos soñamos con ser alguien en la vida, de demostrar a la humanidad cómo podemos cambiar el mundo, cómo nuestras ideas ayudarían al progreso, a la comprensión de nuestra sociedad y, como consecuencia, cómo aumentaría el deseo de seguir soñando. Pero esta importante misión no sólo necesita de una dosis de talento y otra de conocimiento para convertir nuestras ideas en realidad. Tal fue la lección que nos dio la historia a través de la vida de Adolf Hitler, un hombre cuyo deseo fue siempre el de ser un artista. Con este escrito no pretendo de ninguna manera entrar en ninguna discusión política ni en la justificación de las terribles acciones llevadas a cabo por este personaje, sino más bien lo presento como un objeto de análisis y observación desde un punto de vista psicológico y antropológico.

Haciendo de lado toda vida política y los trágicos eventos derivados de ella, Hitler fue un curioso artista; interesado por toda expresión de arte, en especial por la música, la ópera, la pintura clásica, la escultura y la arquitectura. Sus inicios no fueron para nada fáciles, viviendo en constante pobreza intentando vivir de  postales pintadas de vistas de la ciudad de Viena. Muy poco de este dinero recaudado era destinado a su supervivencia, ya que era un hombre de extrema perfección y destinaba la mayor parte de sus ingresos en asistir a conferencias, funciones de teatro y adquiriendo la mejor calidad en pinceles, lienzos y pinturas para sus creaciones, consiguiendo comida y techo en un refugio para desamparados o durmiendo debajo de un puente. Estos años, según sus propias palabras, fueron los mejores de toda su vida.

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Primer autorretrato de Adolf Hitler
(imagen: chattahbox.com)

Aunque no logró ser admitido en la Academia de Bellas Artes de Viena por no poseer el talento deseado por la escuela, el joven Hitler no dejaba de ser una persona inteligente y talentosa, aunque sumamente inestable emocionalmente. El rencor que ocasionó el rechazo de la Academia, sumado a la desaprobación de su sensibilidad artística por parte de su padre, su paupérrima situación económica y las constantes humillaciones – por su frágil condición física y su enorme ego – de sus conocidos cercanos hizo de él lo que al final terminó apoderándose de su vida, rígido y presumido, convirtiéndolo en un dios de la venganza.

Posiblemente la oportunidad perdida más exasperante que sufrió Hitler fue la posibilidad de trabajar bajo la supervisión del artista gráfico y escenógrafo Alfred Roller, miembro del movimiento anti académico de la Secesión vienesa o Sezessionsstil. Con una carta de presentación en mano se acercó tres veces al despacho de este gran hombre sin siquiera tener la delicadeza de golpear la puerta antes de entrar. Al parecer Hitler nunca pudo encontrarse con alguien cuyo ego sea mayor que el suyo.

Así, lentamente fueron muriendo sus sueños de vivir del arte; deprimido y desilusionado fue buscando muletas emocionales para justificar su fracaso. Esto, combinado con la vida intelectual y multicultural de la ciudad de Viena – en contraste a su ferviente nacionalismo – lo llevó a trasladarse a la ciudad de Munich, Alemania para eludir el servicio militar en su país, negándose a servir a las órdenes de oficiales húngaros y judíos.

Para concluir: Este es un claro ejemplo de cómo no solamente es necesario tener talento y nutrirnos de conocimiento para hacer realidad nuestros sueños, sino también la disciplina, el respeto hacia los demás y la humildad de recibir el consejo y la instrucción de personas que no siempre comparten nuestro mismo punto de vista, no reprochando la crítica y recibiéndola como experiencia. Además debemos ser conscientes que las oportunidades en la vida no siempre se dan a lo grande, sino que en la acumulación de estos pequeños consejos y experiencias se encuentra el mapa que nos llevará a alcanzar todas nuestras ilusiones. La clave: perseverancia, sabiduría, instrucción y humildad.

Referencias:
Fisher, Mark; Half a century later,the paintings of Adolh Hitler are still a federal case; The Washington Post; 21 de Abril 2002
Hitler Historial Museum; Hitler’s Art and National Socialist Era Art; 1999
Schjeldahl, Peter; Hitler as Artist. How Vienna inspired the Führer’s dreams; The New Yorker; 19 de Agosto 2002
Adolf Hitler: Adolescencia en Viena y Múnich; Wikipedia

Oníricos mundos pictóricos y composiciones fotográficas que rediseñan la luz

20 mayo 2009

La imaginación es la capacidad de idealizar la realidad, encontrando respuestas a interrogantes, pasiones y deseos reales a través de la redefinición de elementos y situaciones cotidianas, agregando a éstos un toque de fantasía. Este es el mundo donde residen dos grandes artistas,  Nicoletta Ceccoli y Eric Staller, ambos exploradores de la imaginación y fantasía desde la perspectiva de sus propios estilos, con un talento y curiosidad por lo poco común que nadie puede discutir.

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Nicoletta Ceccoli (San Marino, Italia)

Debo reconocer que esta talentosa ilustradora de cuentos para niños me ha hecho recordar bastante a… a ver quién lo dice primero…. ¡Sí!, a Mark Ryden. Aunque no es bueno comparar a dos artistas porque terminarán arrancándose los pelos, ambos comparten una línea de trabajo bastante similar, pero al mismo tiempo se puede ver perfectamente que las influencias de estos dos artistas presentan elementos propios de la cultura que los rodea. Por ejemplo, Nicoletta utiliza mucha arquitectura y vestimenta del siglo XII al XVI, como en sus obra Eva y Giocoliere, mientras que Ryden opta por objetos como trenes, bosques y escalofriantes carritos de helado. Por supuesto no está de más decir que esto es una opinión enteramente personal y no habrá quien diga que esto no es así, etonces lo menciono de antemano así nadie me pone en el banquillo de acusados 🙂

Ceccoli ha realizado ilustraciones mayoritariamente en Italia, en los Estados Unidos y en Reino Unido. Sus obras fueron exhibidas en varias exposiciones alrededor del mundo y en 2001 fue galardonada con el premio Andersen como mejor ilustradora italiana del año.

Para conocer más sobre Nicoletta Ceccoli puedes visitar su sitio web personal.

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Eric Staller (Nueva York, Estados Unidos – Amsterdam, Países Bajos)

Originario de Nueva York pero trasladado a Amsterdam en 1994, Eric Staller se considera a sí mismo un explorador de la luz, espacio y movimiento. La técnica de Staller consiste básicamente en utilizar una cámara en un trípode, con la lente abierta por varios minutos, generando una composición de figuras a través de movimientos de objetos iluminados.

Las obras de Staller no sólo abarcan el campo de la luz en movimiento, sino también una curiosa serie de objetos como el Fish-O-Vision, un casco que representa el misterio de cómo recibe su inspiración; también se puede citar al Lightmobile, su trabajo más popular y el primero de una serie de intervenciones llamada UFO. El Lightmobile consiste en un Volkswagen Beetle cubierto con 1659 bombillas, programadas para generar 20 tramas distintas de luz a lo largo del coche.

En el sitio web personal de Eric Staller se puede apreciar una amplia selección de sus mejores trabajos, con una manera de explicar la formación de sus proyectos que dejan ver la sencillez y la humilde personalidad de este artista, algo que ya no se encuentra a menudo.

Sexo y erotismo en la historia: Algunas verdades que todos deberían saber

5 mayo 2009

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Kafaii Sex by ~dimpoart

Para todos, el sexo forma una parte muy importante de nuestras vidas; ya sea todos los días, de tanto en tanto o una vez al año es un acto de entrega al placer. Es un hecho que el sexo aporta un montón de ventajas a las personas, ya sea físicas, emocionales o psicológicas; muchas veces es mejor que los tratamientos con medicamentos y funciona tanto sólo como acompañado. Tal es la veneración de la sexualidad que es uno de los temas que han sido representados en el arte de todas las épocas, culturas y clases sociales.

A lo largo de la evolución de las civilizaciones se demuestra que no hubo época en la que no se haya venerado el cuerpo humano, el erotismo o el sexo. Nunca faltan personas que afirman que jamás ha habido tanta “variedad sexual” como ahora, pero quien dice esto evidentemente no conoce de historia. La diferencia actual está en que la libertad sexual que se aprecia en nuestros tiempos es el resultado de una continua lucha por los derechos del ser humano; de restaurar la naturalidad de la sexualidad, la cual fue hurtada y convertida en tabú por muchos movimientos religiosos.

Es interesante ver cómo el arte fue siempre una herramienta de catarsis de toda esta opresión sexual, ya sea abiertamente o en secreto, y también cómo en otros tiempos existía una completa libertad sobre el tema, con piezas eróticas que datan desde la prehistoria hasta completas civilizaciones como los romanos, griegos y turcos. También grandes artistas como Francois Boucher, Rembrandt y hasta el mismo Picasso retrataron escenas sexuales en tiempos moralmente controversiales.

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Algunos datos curiosos sobre el sexo

  • La palabra “gimnasio” viene del griego gymnazein, que significa “ejercitarse desnudo”
  • Los cómics del Pato Donald fueron alguna vez prohibidos en Suecia debido a que el personaje no llevaba pantalones puestos
  • Otra de la antigua Grecia: Cuando a un hombre lo pillaban siendo adúltero el castigo era afeitarle el vello púbico e introducirle un rábano por el recto :-O
  • Durante la Segunda Guerra Mundial, los soldados norteamericanos utilizaban condones para tapar los barriles de los rifles, evitando así que se llenen de agua salada al saltar de los barcos.
  • El Marqués de Sade (1740-1814), llego a utilizar tiras de tocino para envolver su pene y crear así su propio preservativo.

En conclusión, el hecho de que actualmente hayan tantos problemas relacionados al sexo no significa que se deba culpar a cosas como el pensamiento sin prejuicios de la gente o el bombardeo de imágenes sensuales que la publicidad nos presenta en nuestro día a día. Si bien estoy de acuerdo que en muchas culturas las personas no tienen información sexual suficiente para ser expuestas a cierto grado de contenido explícito y que la publicidad ignora estos hechos pensando solamente en lo bien que puede vender el sexo, la culpa está en haber convertido este tema en tabú y no haber instruido a la gente lo suficiente para que pueda tomar el erotismo con criterio. Hasta el día de hoy existen polémicas sobre enseñar o no a los niños sobre sexo seguro en las escuelas, en muchos casos diciendo que la única manera de “estar a salvo” es a través de la abstinencia, y claro, como hemos visto en reiteradas ocasiones, a mayor prohibición mayor curiosidad y mayor desinformación y confusión.

Hagamos del sexo lo que es de verdad, un acto de amor, diversión o placer (¡o por supuesto las tres cosas juntas!), hecho con conciencia, discernimiento y, por sobre todo, respeto. Revaloremos la sexualidad, basta de tabús y preconceptos; ¡seamos felices!

Surrealismo y niñez con una oscura mirada deliciosamente audaz

31 marzo 2009

Quién explica mejor esta dulce-agria combinación de atmósferas, a veces tétricas, otras enigmáticas y oscuras o simplemente controversiales, que estos tres grandes poetas gráficos: Ray Caesar, Mark Ryden y Yoshitomo Nara. Mentes que pasaron por historias bizarras o, para algunos, traumatizantes a lo largo de sus vidas y han sabido sacar provecho de estas situaciones para crear un arte que nos lleva a esas esquinas polvorientas y llenas de telarañas que ni sabiamos que existían dentro de nuestro subconsciente. A continuación un poco de historia de estos ilustres representantes del lado macabro, caprichoso y surreal del arte contemporáneo.

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Ray Caesar (Inglaterra – Canadá)

El talento de Caesar empezó a muy temprana edad, pero no se atrevió a enseñar su arte hasta un tiempo después, ya que pensaba que para la audiencia pública sus trabajos serían un tanto aberrantes y atípicos. Empezó entonces a trabajar como animador digital en la compañía canadiense GVFX, en el terreno de las series televisivas de Ciencia Ficción, parendiendo allí un poco de todo, como por ejemplo el arte del modelado 3D el cual es uno de los elementos más utilizados en el estilo de este artista. Es aún más interesante que pasó 17 años trabajando en un hospital de niños enfermos en el departamento de arte y fotografía con imaginería de abusos infantiles, cirugía reconstructiva, pruebas con animales y maquinaria médica; sólo hace falta observar una creación de Caesar para darse cuenta la robusta influencia que esto tuvo en su estilo.

Teniendo más talento de lo que cualquier hombre puede pensar obtener en toda su vida, Ray es un hombre de lo más sencillo. Nunca presume de su popularidad y es un hombre bastante introvertido. Una vez dijo que cada vez que tenía que salir de su casa tenía que pasar por una lucha interna para tener suficientes ganas de abrir la puerta y pasar por ella.

Por último, podría hablar de su estilo característico pero la intención de este artículo se centra más en el transfondo y elementos de influencia de los artistas para poder comprender sus obras, ya que el resto es simplemente visitar el sitio web personal de cada uno, que dicho sea de paso el de Ray Caesar es este.

(Gracias Tai)

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Mark Ryden (Estados Unidos)

Podría decir que Mark Ryden es la versión norteamericana de Ray Caesar (aunque la gente tiende a comprar a Caesar con Ryden y no vice versa), pero nunca está bien comparar a dos artistas porque a nadie le gustaría pasar por lo mismo, je je. Si bien comparten una temática similar, en el fondo son piezas de técnicas y argumentos distintos.

Ryden nació el 20 de enero de 1963 en la ciudad de Medford, Oregon en Estados Unidos. A diferencia de Caesar, Ryden apuntó directo a las galerías de arte. Estudió Ilustración en el Art Center College of Design de Pasadena, California en 1987 y originó su debut en la misma ciudad en 1998 con su obra The Meat Show (la de la imagen de arriba).

Al igual que otros ilustradores contemporáneos como Edward Gorey y Sir John Tenniel (dos grandes que en un próximo artículo rendiré su debido honor), Ryden tiene una gran fascinación por el cuento de Lewis Caroll Alicia en el País de las Maravillas, siendo realmente obvio el uso de piezas representativas del cuento, con una escalofriante combinación de otras moléculas clave de Ryden como niñas espeluznantes, trozos de carne, atmósfera carnavalesca y simbolismo católico y budista.

Más información sobre Mark Ryden disponible en su sitio web oficial.

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Yoshitomo Nara (Japón)

Definitivamente el más polifacético de los tres. Diseña en todo lo que tenga a mano, y si no lo tiene se lo inventa y lo construye. Si bien Nara tiende más al arte pop, de igual manera se puede decir que comparte similitudes de estilos con los dos artistas mencionados anteriormente. Con un arte híbrido entre manga y graffiti, Nara formó parte del movimiento Pop Art de Japón en los años 90. Un hecho gracioso de este virtuoso fue su detención policial en Febrero de este año por haber sido encontrado dibujando una carita feliz en la pared de una estación de metro en Nueva York, con los cargos de posesión de instrumentos de graffiti, resistir al arresto y el importante hecho de haber sido pillado en pleno “acto pintoresco” , para lo que Nara respondió que fue “una bonita experiencia en su vida que le ayudó a conocer personas que de otra manera no hubiese sido posible (me saco el sombrero :-O).

El arte de Nara intenta expresar en la mayoría de sus piezas la yuxtaposición de la maldad humana con la inocencia de un niño, haciendo una analogía con las endurecidas convenciones sociales de la cultura japonesa. Sus influencias giran en torno al manga y anime, la cultura graffiti, el punk rock y la cultura pop en general.

No he podido encontrar el sitio web oficial de Nara, pero en este sitio se pueden ver varias de sus obras, así como una biografía completa del artista.