Oníricos mundos pictóricos y composiciones fotográficas que rediseñan la luz

La imaginación es la capacidad de idealizar la realidad, encontrando respuestas a interrogantes, pasiones y deseos reales a través de la redefinición de elementos y situaciones cotidianas, agregando a éstos un toque de fantasía. Este es el mundo donde residen dos grandes artistas,  Nicoletta Ceccoli y Eric Staller, ambos exploradores de la imaginación y fantasía desde la perspectiva de sus propios estilos, con un talento y curiosidad por lo poco común que nadie puede discutir.

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Nicoletta Ceccoli (San Marino, Italia)

Debo reconocer que esta talentosa ilustradora de cuentos para niños me ha hecho recordar bastante a… a ver quién lo dice primero…. ¡Sí!, a Mark Ryden. Aunque no es bueno comparar a dos artistas porque terminarán arrancándose los pelos, ambos comparten una línea de trabajo bastante similar, pero al mismo tiempo se puede ver perfectamente que las influencias de estos dos artistas presentan elementos propios de la cultura que los rodea. Por ejemplo, Nicoletta utiliza mucha arquitectura y vestimenta del siglo XII al XVI, como en sus obra Eva y Giocoliere, mientras que Ryden opta por objetos como trenes, bosques y escalofriantes carritos de helado. Por supuesto no está de más decir que esto es una opinión enteramente personal y no habrá quien diga que esto no es así, etonces lo menciono de antemano así nadie me pone en el banquillo de acusados 🙂

Ceccoli ha realizado ilustraciones mayoritariamente en Italia, en los Estados Unidos y en Reino Unido. Sus obras fueron exhibidas en varias exposiciones alrededor del mundo y en 2001 fue galardonada con el premio Andersen como mejor ilustradora italiana del año.

Para conocer más sobre Nicoletta Ceccoli puedes visitar su sitio web personal.

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Eric Staller (Nueva York, Estados Unidos – Amsterdam, Países Bajos)

Originario de Nueva York pero trasladado a Amsterdam en 1994, Eric Staller se considera a sí mismo un explorador de la luz, espacio y movimiento. La técnica de Staller consiste básicamente en utilizar una cámara en un trípode, con la lente abierta por varios minutos, generando una composición de figuras a través de movimientos de objetos iluminados.

Las obras de Staller no sólo abarcan el campo de la luz en movimiento, sino también una curiosa serie de objetos como el Fish-O-Vision, un casco que representa el misterio de cómo recibe su inspiración; también se puede citar al Lightmobile, su trabajo más popular y el primero de una serie de intervenciones llamada UFO. El Lightmobile consiste en un Volkswagen Beetle cubierto con 1659 bombillas, programadas para generar 20 tramas distintas de luz a lo largo del coche.

En el sitio web personal de Eric Staller se puede apreciar una amplia selección de sus mejores trabajos, con una manera de explicar la formación de sus proyectos que dejan ver la sencillez y la humilde personalidad de este artista, algo que ya no se encuentra a menudo.

Surrealismo y niñez con una oscura mirada deliciosamente audaz

Quién explica mejor esta dulce-agria combinación de atmósferas, a veces tétricas, otras enigmáticas y oscuras o simplemente controversiales, que estos tres grandes poetas gráficos: Ray Caesar, Mark Ryden y Yoshitomo Nara. Mentes que pasaron por historias bizarras o, para algunos, traumatizantes a lo largo de sus vidas y han sabido sacar provecho de estas situaciones para crear un arte que nos lleva a esas esquinas polvorientas y llenas de telarañas que ni sabiamos que existían dentro de nuestro subconsciente. A continuación un poco de historia de estos ilustres representantes del lado macabro, caprichoso y surreal del arte contemporáneo.

Ray Caesar (Inglaterra – Canadá)

El talento de Caesar empezó a muy temprana edad, pero no se atrevió a enseñar su arte hasta un tiempo después, ya que pensaba que para la audiencia pública sus trabajos serían un tanto aberrantes y atípicos. Empezó entonces a trabajar como animador digital en la compañía canadiense GVFX, en el terreno de las series televisivas de Ciencia Ficción, parendiendo allí un poco de todo, como por ejemplo el arte del modelado 3D el cual es uno de los elementos más utilizados en el estilo de este artista. Es aún más interesante que pasó 17 años trabajando en un hospital de niños enfermos en el departamento de arte y fotografía con imaginería de abusos infantiles, cirugía reconstructiva, pruebas con animales y maquinaria médica; sólo hace falta observar una creación de Caesar para darse cuenta la robusta influencia que esto tuvo en su estilo.

Teniendo más talento de lo que cualquier hombre puede pensar obtener en toda su vida, Ray es un hombre de lo más sencillo. Nunca presume de su popularidad y es un hombre bastante introvertido. Una vez dijo que cada vez que tenía que salir de su casa tenía que pasar por una lucha interna para tener suficientes ganas de abrir la puerta y pasar por ella.

Por último, podría hablar de su estilo característico pero la intención de este artículo se centra más en el transfondo y elementos de influencia de los artistas para poder comprender sus obras, ya que el resto es simplemente visitar el sitio web personal de cada uno, que dicho sea de paso el de Ray Caesar es este.

(Gracias Tai)

Mark Ryden (Estados Unidos)

Podría decir que Mark Ryden es la versión norteamericana de Ray Caesar (aunque la gente tiende a comprar a Caesar con Ryden y no vice versa), pero nunca está bien comparar a dos artistas porque a nadie le gustaría pasar por lo mismo, je je. Si bien comparten una temática similar, en el fondo son piezas de técnicas y argumentos distintos.

Ryden nació el 20 de enero de 1963 en la ciudad de Medford, Oregon en Estados Unidos. A diferencia de Caesar, Ryden apuntó directo a las galerías de arte. Estudió Ilustración en el Art Center College of Design de Pasadena, California en 1987 y originó su debut en la misma ciudad en 1998 con su obra The Meat Show (la de la imagen de arriba).

Al igual que otros ilustradores contemporáneos como Edward Gorey y Sir John Tenniel (dos grandes que en un próximo artículo rendiré su debido honor), Ryden tiene una gran fascinación por el cuento de Lewis Caroll Alicia en el País de las Maravillas, siendo realmente obvio el uso de piezas representativas del cuento, con una escalofriante combinación de otras moléculas clave de Ryden como niñas espeluznantes, trozos de carne, atmósfera carnavalesca y simbolismo católico y budista.

Más información sobre Mark Ryden disponible en su sitio web oficial.

Yoshitomo Nara (Japón)

Definitivamente el más polifacético de los tres. Diseña en todo lo que tenga a mano, y si no lo tiene se lo inventa y lo construye. Si bien Nara tiende más al arte pop, de igual manera se puede decir que comparte similitudes de estilos con los dos artistas mencionados anteriormente. Con un arte híbrido entre manga y graffiti, Nara formó parte del movimiento Pop Art de Japón en los años 90. Un hecho gracioso de este virtuoso fue su detención policial en Febrero de este año por haber sido encontrado dibujando una carita feliz en la pared de una estación de metro en Nueva York, con los cargos de posesión de instrumentos de graffiti, resistir al arresto y el importante hecho de haber sido pillado en pleno «acto pintoresco» , para lo que Nara respondió que fue «una bonita experiencia en su vida que le ayudó a conocer personas que de otra manera no hubiese sido posible (me saco el sombrero :-O).

El arte de Nara intenta expresar en la mayoría de sus piezas la yuxtaposición de la maldad humana con la inocencia de un niño, haciendo una analogía con las endurecidas convenciones sociales de la cultura japonesa. Sus influencias giran en torno al manga y anime, la cultura graffiti, el punk rock y la cultura pop en general.

No he podido encontrar el sitio web oficial de Nara, pero en este sitio se pueden ver varias de sus obras, así como una biografía completa del artista.